Der Hammer kommt mit neuen immersiven Kunstinstallationen groß raus

Das Äußere des Hammer Museums ist heute in silbrige Regenschichten und dichten Nebel gehüllt. Aber drinnen ist die Atmosphäre noch dramatischer.

Die Lobby ist vollständig von einem komplizierten Netz aus blutrotem Garn umhüllt. Spitzenfäden davon hängen von der Decke und kriechen die Wände hinauf. Fäden des Materials winden sich um die Treppengeländer und breiten sich wie ein Pilz über die Decke aus, so dass sie diese fast verdeckt.

Unterdessen befindet sich in einem anderen Bereich des Museums – einem höhlenartigen ehemaligen Bankraum, der in eine Ausstellungsgalerie umgewandelt wurde – etwas, das wie ein schimmerndes Zeitreise-Wurmloch aussieht. Die schwach beleuchtete Galerie füllt sich mit Nebel, der aus Deckendüsen sickert, und leuchtende neongrüne Laser schneiden durch den Nebel und erhellen ihn zusammen mit wabernden Staubwolken.

Die ungewöhnlichen Umgebungen in der Lobby und der Bankgalerie sind großformatige, immersive Installationen der japanischen Künstler Chiharu Shiota bzw. Rita McBride. The Hammer enthüllt diese Woche die letzte Phase seines zwei Jahrzehnte dauernden, 90 Millionen US-Dollar teuren Erweiterungs- und Renovierungsprojekts, das von Michael Maltzan Architecture entworfen wurde. Neben einer neuen Skulpturenterrasse mit einem monumentalen Werk von Sanford Biggers umfasst das Projekt eine brandneue Lobby und einen neuen Eingang an der Ecke Wilshire Boulevard und Westwood Boulevard sowie eine riesige Galerie unter anderem für großformatige Werke und Performances der ehemalige Raum der City National Bank nebenan.

Es ist ein kritischer Zeitpunkt für das Museum, und Shiota und McBride sind die perfekten Künstler, um die ersten Werke für die neuen Räume zu schaffen, in denen sie untergebracht sind, sagt Hammer-Kuratorin Erin Christovale.

„Wir arbeiten mit ehrgeizigen Künstlerinnen zusammen, die ständig die Grenzen dessen überschreiten, was als Frauenarbeit gilt, die die Grenzen der Skulptur und Installation verschieben“, sagt Christovale. „Und ich denke, genau das hat der Hammer schon immer repräsentiert – insbesondere die Unterstützung von Frauen und seine feministische Ausrichtung.“

In Shiotas „The Network“ zu stehen, fühlt sich an, als würde man in einer menschlichen Herzklappe nisten. Die aderartigen Garnfäden bilden Vordächer über der Lobbytreppe, so dass Besucher durch Tunnel hindurchgehen müssen, um das Museum zu betreten. Während die Installation im Gange ist, liegen Garnspulen auf dem Betonboden rund um die Lobby und in den Ecken stapeln sich lose Fäden.

Für den in Berlin lebenden Shiota, der als Maler begann, handelt es sich bei dem Werk um eine dreidimensionale, skulpturale „Zeichnung im Raum“.

Sie sagt, dass es bei der Arbeit, wie der Titel schon sagt, um Verbindungen geht – Community-Netzwerke, neuronale Netzwerke, Computernetzwerke. Die Entstehungsgeschichte des Werks sei ein japanischer Mythos, sagt sie. Die Geschichte besagt: Wenn ein Baby geboren wird, wird an seinem Finger ein imaginäres Stück roter Faden befestigt, das dann eine Verbindung zu allen Personen herstellt, denen es in seinem Leben begegnet.

„Wenn man in einer Gesellschaft lebt, sind alle durch eine unsichtbare Linie verbunden“, sagt Shiota.

Das Stück ist auch ortsspezifisch und bezieht sich auf das Museum in diesem wichtigen Moment seiner Geschichte. Das Netz aus Garn, das sich kreuz und quer durch die Lobby zieht, verweist auf Verbindungen zwischen der Künstlerin, ihrem Team, dem Hammer und den Besuchern, die es füllen werden. Es bezieht sich auch auf unendliche Interpretationen der vielen Kunstwerke, die im Hammer zu sehen sind.

„Menschen, die ins Museum kommen, wissen, dass zeitgenössische Kunst keine [Standardinterpretation] hat“, sagt Shiota. „Jeder kann frei denken. Es ist offen. 100 Menschen, 100 Meinungen. Verschiedene Arten von Emotionen.“

Garnnetze seien Shiotas charakteristische Materialien, sagt Christovale, der „The Network“ kuratiert hat. Shiota präsentierte ein ähnliches Stück auf der Biennale in Venedig 2015. Sie fühlt sich von Garn wegen seiner Vielseitigkeit angezogen, sagt sie. „Ich mag dieses Material, weil es sich manchmal verheddert, manchmal schneidet man es ab, verliert es oder es gibt Spannungen. Es ist wie Beziehungen zwischen Menschen.“

Um das Stück herzustellen, brachte der Hammer 800 Pfund Garn mit. Shiota und ihr Team weben seit zwei Wochen – bis das Stück auf den Markt kommt, wird es drei Wochen gedauert haben.

Shiota sitzt in einem überdachten Teil des Museumshofs, während der Regen um sie herum niederprasselt, und fummelt mit einem Wollknäuel auf ihrem Schoß herum, wobei sie den Faden immer wieder aufwickelt, dreht und zwischen ihren Fingerspitzen schlingt. „Schau, du kannst es durch das Glas sehen!“ sagt sie über das Kunstwerk, während sie den Hof überquert und zurück in die Lobby geht.

Besonders begeistert sei sie, sagt sie, wie sichtbar die Arbeit von der Straße aus sei. Die alte Lobby hatte weniger und kleinere Fenster; Der neue Raum verfügt über hohe Fenster entlang der Wand, die Wilshire zugewandt ist. Von außen sticht Shiotas leuchtend rotes Kunstwerk vor der grau-beigen Fassade des Gebäudes hervor und ist für Passanten zu Fuß und in ihren Autos sichtbar.

„Es ist sehr wichtig, dieser schnelle Eindruck“, sagt sie. „Die Leute, die vorbeifahren, wollen vielleicht reinkommen. Dann werden sie neugierig und denken: ‚Oh, Kunst ist interessant.‘“

Drüben in der alten Bank ist es still und dunkel und unheimlich still, bevor die Lichter angehen. Dann verwandelt sich der Raum augenblicklich in eine ätherische, Science-Fiction-ähnliche Umgebung. Im Mittelpunkt von McBrides „Particulates“ steht eine schwarz gestrichene Wand mit einem riesigen zylindrischen Ausschnitt und einer Gruppe von 16 hochintensiven grünen Lasern, die durch sie schießen. Sie greifen ineinander und bilden einen dreidimensional wirkenden Strahl aus geometrischen Mustern – eine gedrehte hyperbolische Parabel. Der leuchtende Strahl verändert sich je nach Betrachtungswinkel – aus einem Winkel länglich und tunnelartig, aus einem anderen verdreht und kompakter – und verleiht dem Lichtwerk ein fast organisches, lebendiges Gefühl.

Die Laser erwachen dort zum Leben, wo sie auf Nebel und Staubpartikel in der Luft treffen, und wirken besonders hell und lebhaft. Die Arbeit wird von Oberflächen im Raum reflektiert, wobei Querschnitte davon gegen den Banktresor, die Wände und die Fenster schimmern – sogar durch die Fenster hindurch auf Biggers‘ Skulptur draußen und den Bürgersteig dahinter.

Die Künstlerin, die zwischen Düsseldorf (Deutschland) und Los Alamos (Kalifornien) pendelt, betrachtet das Werk als eine immersive skulpturale Installation, die auch eine Zeichnung im Raum ist. Sie bat den Hammer, einen Großteil der Bankflächen „roh“ zu halten, während das Museum renoviert wurde. Der Architekt behielt die Wandverkleidung aus Holzfurnier, die Verwaltungstheken aus Marmor, den ursprünglichen Marmor-Terrazzoboden und den Banktresor bei. Das Museum schleifte und erneuerte den Boden direkt unter den Lasern, so dass sich dort Wasser ansammeln und eine reflektierende Oberfläche entstehen konnte.

„Rita beschäftigt sich in ihrer Arbeit fast immer mit Architektur“, sagt Hammer-Chefkuratorin Connie Butler, die diese Präsentation von „Particulates“ kuratiert hat. „Sie wollte die Reste des Konzernruins.“

Auf diese Weise ist „Particulates“ nicht nur ortsspezifisch, sondern auch ortsintegrativ, wobei neben den Lasern, dem Nebel und den Staubpartikeln auch Überreste des Uferraums – die zurückgelassenen Trümmer – als Material im Kunstwerk dienen .

„Ich war begeistert, einen einigermaßen politisch aufgeladenen Raum zu haben – Banken sind aufgeladene Räume“, sagt McBride. „Das Vokabular dieses Raums war in Bezug auf Marmor, Granit und Täfelung sehr spezifisch – es kam mir sehr 80er-Jahre vor – und ich wollte einen Teil dieses Vokabulars beibehalten, anstatt alles auf einen weißen oder schwarzen Würfel zu reduzieren Würfel, Dinge, die es neutraler machen würden.

In der Arbeit geht es auch um Zeitreisen, Licht und Raum, Zusammenhänge und Quantenphysik.

„Es geht um die Möglichkeit, mit unbekannten Orten in Kontakt zu treten“, sagt McBride. „Schwarze Löcher und das Zurücklegen dieser Entfernungen, die uns unbekannt sind oder wohin sie uns führen. Es ist auch eine Gelegenheit, aus dem Bewusstsein des Augenblicks herauszukommen und sich ein viel größeres Universum vorzustellen.“

Eine Version von „Particulates“ wurde auf der Liverpool Biennale 2016 gezeigt; Eine weitere wurde 2017 in der Dia Art Foundation präsentiert. Beide Ausstellungen fanden in geschlossenen Räumen ohne Fenster statt. Die Bankgalerie verfügt an zwei Seiten über nahezu raumhohe Fenster, die für diese Ausstellung stark getönt sind, sodass die Galerie dunkel bleibt und die Laser knallen.

„Dies ist das erste Mal, dass ich mit dem realen Leben arbeiten kann“, sagt McBride.

Daher ändert sich die Arbeit je nach Wetter, Luftfeuchtigkeit, Tageszeit und Licht. „Ich arbeite auf eine andere Art und Weise mit Licht, dem Tageslicht“, sagt McBride. „Es ändert sich jedes Mal. Es ist unglaublich flexibel und schön.“

Das Werk ist Teil der ständigen Sammlung des Hammers, aber das Museum hat es noch nie zuvor gezeigt – der Platz war bisher nicht groß genug. Es ist geplant, die Bankgalerie für weitere großformatige Werke der Sammlung zu nutzen, die noch nicht gezeigt wurden. „Funktioniert dort, wo der Maßstab gut geeignet ist“, sagt Butler. „Oder das würde in einem Raum wie diesem, einem halbrohen Raum mit hohen Decken, einfach großartig aussehen.“

Dazu gehören eine schwere, hohe Skulptur von Lauren Halsey, ein Denkmal für die Geschichte der Schwarzen und eine Multiscreen-Videoinstallation von Paul Chan.

Während es sich bei „The Network“ und „Particulates“ um völlig unterschiedliche Kunstwerke handelt – ersteres taktiler und struktureller und letzteres eher digital und ephemer – scheinen sie in direkter Konversation zu stehen. Beide bestehen aus ineinandergreifenden Fäden – Netzen –, die starke, viszerale Reaktionen hervorrufen.

Und in beiden Werken, anlässlich des neuen Debüts im Hammer Museum, geht es um Verbindungen.

„Sie geben den Ton an“, sagt Christovale. „Dass wir einen Sprung machen.“